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JOURNAL OF KOREAN THEATRE STUDIES ASSOCIATION

  • : 한국연극학회
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  • : 계간
  • : 1229-2877
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수록정보
수록범위 : 1권0호(1981)~74권0호(2020) |수록논문 수 : 740
한국연극학
74권0호(2020년 05월) 수록논문
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KCI등재

1희곡 저작권의 보호와 바른 이용을 위한 연구

저자 : 오세곤 ( Oh Sekon ) , 최여원 ( Choi Yeowon )

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 5-36 (32 pages)

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희곡은 연극 상연의 질을 좌우하는 중요한 요소이다. 그러나 우리 연극계는 희곡에 대한 대가 지불에 인색하다. 대가 지불의 방법은 크게 두 가지인데, 하나는 연극 작업에 참여하는 여러 직종들과 같이 인건비를 책정하는 것이고, 또 하나는 희곡에 대해 저작권료를 지불하는 것이다. 그러나 연극계의 영세성과 인식 부족으로 인해 두 가지 모두 거의 실현되지 않고 있다. 더욱이 저작권법에서조차 희곡을 세밀하게 다루지 않아서 여러 문제를 야기한다 . 특히 저작재산권을 제한하는 제25조 학교교육 목적에 관한 조항은 어문저작물, 이미지, 음악, 영상과 달리 희곡의 상연과 관련하여서는 보상금 기준조차 마련하지 않았고, 제29조 비영리공연 조항에서는 희곡의 상연과 관련하여 정확한 비영리의 조건을 제시하지 않음으로써 무차별한 저작권 침해의 위험을 초래하고 있다. 따라서 이런 문제의 해결을 위해 우선 법적 미비점들을 보완해야 하는데, 학교에서의 희곡 상연과 시민 등 일반인 동아리의 희곡 상연에 대한 적정한 보상금기준을 마련하고, 희곡 상연에 대한 정확한 비영리의 성립 요건을 제시해야 한다. 아울러 연극계 자체적으로 현실적으로 가능한 수준의 인건비기준과 저작권료 기준을 마련해야 하며, 궁극적으로 희곡 저작권의 보호와 올바른 이용을 지원할 전담기구도 구성할 필요가 있다.


Plays are an important element that determines the quality of performance of play. However, the theatrical circles are stingy about payment for plays. The method of payment is divided largely into two types. One of the two is to fix personnel expenses same as various types of occupation that participates in the plays and the other is to pay royalties for plays. But almost nothing has been achieved in both yet due to petty funds and lack of awareness of theatrical circles. Moreover, even the Copyright Law does not deal with plays in detail, which causes many problems. Especially, the Law incurs risks of indiscriminating infringement of copyright as the clause on the purpose of school education in the Article 25 that limits author's property right does not even include the standard for compensation in relation to the performance of play unlike literary works, images, music and video, and the clause on the nonprofit performance in the Article 29 does not suggest exact conditions for nonprofit in relation to performance of plays.
Therefore, supplementation of legal insufficiencies shall be made first to solve the problems, so it is necessary to suggest a decent standard for compensation for performance of plays in schools and by the clubs of general public such as citizens etc., and suggest clear requirements for establishment of nonprofit performance of plays. And theatrical circles are also required to prepare a real and viable standard for personnel expenses by themselves, and form an exclusive organization to support copyright protection and upright use of plays to the ultimate.

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2포스트휴먼 생명형식의 배우- 되기와 그 한계

저자 : 권경희 ( Kwon Kyounghee )

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 37-68 (32 pages)

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과학과 기술의 발전 속도로 보건대 멀지 않은 미래에는 지구 위 다양한 생명체의 출현도 불가능하지 않을 것이다. 인간배우 뿐만 아니라 그야말로 비인간/동물/기계도 함께 연기훈련을 하고 함께 무대에 서는 것이 곧 가능해지지 않겠는가. 특히나 로봇은 다방면에서 현실 속으로 꽤 깊숙이 들어선 게 사실이다. 돌이켜보건대 지금까지의 연기는 인간중심적이었다. 하지만 달라지는 환경과 그를 둘러싼 관계가 걷잡을 수 없이 복잡해지고 있는 포스트휴먼적 이 시점이야말로 연기적 본질과 주체에 관한 담론을 재점화할 최적기란 생각이다. 이에 따라 본고는 먼저 영화를 통해 현실적 가능성이 완전히 배제되지는 않은, 말하자면 종 분할선을 가로지르는 상상적 생명체의 이미지를 훑어보았다. 이어서 그중 로봇의 등장에 주목해 그 존재 의미에 포스트휴먼적 탈인간중심주의 생명형식을 연관시켜보았고, 계속해 연기의 본질적 특성을 견인해 로봇의 무대연기의 가능성과 한계를 논구하였다.
자기 자신의 조건들을 재생산하고, 자신에게 속한 것을 필요한 만큼 마음껏 부리는 전유는 창조적 행위를 위한 밑거름이자 그 특징이 된다. 동물성과 자연성의 전유로 말미암아 배우의 창조성은 가능해진다. 자신의 유연하고 견고한 정신의 조화로움으로서의 전체성은 유기체적 통일성과도 긴밀하다. 전체의 우연적이고 필연적인 다이내믹한 활동, 그와 함께 유기적 총체성이 섬광처럼 빛 발할 때 비로소 무대는 살아서 힘찬 숨을 내뿜게 된다. 전유의 반대편에서 강제를, 전체성의 대극에서 소외를 발견하는데 이 강제와 소외를 나는 무대에 등장한 로봇의 존재로부터 확인하게 된다. 이러한 까닭에 많은 것이 가능하다해도 로봇의 배우-되기는 난센스로만 여겨진다. 연극은 태생적으로 인간에 의한 예술이란 정의는 여전히 유효하고 앞으로도 영원히 유효할 것이다. 현재로선 로봇연기 자체보다는 로봇의 무대등장에 숨어있는 제작의도에 주목할 필요가 있을 듯싶다. 어쩌면 곧 들이닥칠 다종의 생명물질과 공존하기 위한 전초전으로 우리의 무대에 '로봇을 초대하는' 그런 경우에 유효한 로봇의 연기가 고안될 필요가 있을 것도 같다.


Acting has been wholly human-centric up to present. According to the developing speed of science and technology, however, the advent of various organic bio-matter on Earth in the near future will be possible. It might soon be feasible that, not only human actor/ actress, but all the non-human/ animal/ machine get trained for acting and finally show up in stage altogether. It will be the most adequate time under post-human umbrella for restarting discourse on both the essence and subject of acting, in which differing environment and its surrounding relations are getting more and more complicated. This study, first, glanced images of bio-matters of imagination crossing species-divisionary line, in which realistic realization be wholly not excluded. And then, focusing on the emergence of robots which is related to post-human dehumanistic bio-matter, the study also attempted to examine the possibility of robot's stage acting.
Appropriation, which re-owns human conditions of self and is capable of reproducing them, and which handles belongings to self as freely as needed becomes either a foundation or a peculiarity for creative activities. Arising from the appropriation of both animality and naturalness, creative potentiality of actor/ actress becomes alive. Totality is close to organic unity as harmony of flexible and stronghold spirit of self. Stage becomes able to shine spurting dynamic breath, when incidental and necessary rhythmic activity of totality, and together with these accidental wholeness get glows like a light of flash.
There exists compulsion opposite to appropriation, and alienation opposite to totality. And I found those compulsion and alienation from robots on stage. With those reasons, whatever can be possible, robot's becoming actor/ actress seems nonsense to me. The definition that theatre is born as an art by human being is still useful and will be forever valid. For now, it will be necessary to investigate the intention of production hidden behind robot's appearance on stage, rather than robot's acting itself. It will probably be needed to conceive the helpful acting techniques for robot, which prepare only for the cases we invite robots as guests to our theatrical stage.

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3퍼포먼스, 자결행동의 공연 -슐링엔지에프의 작업에 나타난 포스트모던 퍼포먼스의 상황

저자 : 남상식 ( Nam Sang Sik )

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 69-103 (35 pages)

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이 연구는 사회학에서 말하는 자기결정행동이 포스트모던 퍼포먼스작업 속에서 어떻게 수용되고 또한 수행될 수 있는지를 정치적인 자율공간의 연출작업을 통해 살펴보는 데에 있다. 현대 공연작업에서 자결행동을 실현하려는 경우 공연은 정치적인 공간이 된다. 그래서 그것은 세계와 사회의 재배치를 시도하는 실험장이 된다. 그곳에서는 일시적으로 나마 예술과 현실의 경계가 사라지고 두 세계는 만난다. 여기서 예술가와 관객의 차이도 없어진다.
검토의 대상인 슐링엔지에프(Christoph Schlingensief, 1960-2010)의 <햄릿>과 오스트리아를 < 사랑해주세요>는 2000년대에 들어서면서 연이어 발표된 것으로서, 그의 작업이 늘 그렇듯이 '예술적 테러'의 이벤트로서 예술(연극)과 현실(실제)의 경계를 해체하여 공연예술계는 물론 사회 일각에도 큰 파문을 던진 사건이었다. <햄릿>은 극우 청년, 네오스킨(Neoskin)들과 함께 극장 밖과 안에서 각각 진행한 과정중심의 작업이고, <오스트리아를 사랑해주세요>는 컨테이너 설치물을 중심으로 벌어지는 관객반응을 통해 진행되는 퍼포먼스이다. 자결행위의 주요 주체가 전자는 퍼포머, 후자는 관객이라고 볼 수 있는데, 이 글에서는 그 점을 고려하여 두 작업을 나누어 보았다.


This study is about characteristics and political structure of the post-modern performance which captures new possibilities in theatre with our times: empowerment through autonomous theatrical situation. The term 'empowerment', used in modern sociology, means self-determination in politics. We have here important issues: we just need to point out the difference between 'Poitics' and 'the Political'. The every action and exercise of empowerment with performance is related to the phenomena of the latter.
This study illustrates what performance can do to exercise our right of self-determination in two case studies, < Hamlet > and < Please love Austria >, directed by Christoph Schlingensief. Both were also a big sensation by the turn of the 21st century. The performance broke into real-life world. In < Hamlet > the performing teams worked with skin-heads to help them start a new life. They were sent to study about political culture and debated the issue of far-right tendency in Europe. < Hamlet > was a working with the product of their joint research, that is. In that sense, the performance is a process-centric performance. The original for Shakespeare's < Hamlet > was only a means to an end.
For < Please love Austria > Schlingensief installed a container in the center of Vienna. It was the remains of concentration camps. It hosted 12 refugees. The performance went like the popular reality shows Survivor and Big Brother. The people voted everyday to decide who was sent away from the container. They gathered before the container and heated discussion on racism, far-right politic. It depended on their actions and decisions. < Please love Austria > was only audience-driven performance.
< Hamlet > as a process-centric performance and < Please love Austria > as an audience-driven performance, they both thoroughly led by thinking and acting of participant or participant observer. The key thing here is self-determination on how they should think and act. It operated in two ways: 1) pushing the boundaries between art and reality, 2) sorting out the confusing theatrical situation. So, for example, the skin-heads must decide during performances and practice schedules what to do to attain new life. The spectators had to distinguish the code and the fact that have emerged on account of many causal factors: is it real or staged? Does it means exactly what they see? Or is that not what the performance wanted to say?
Such questions and answers or verdicts the participant found were factor that creates the situation of empowerment in the performance by Schlingensief. < Hamlet > and < Please love Austria > deluged with such elements became a meaningful experiment and showed how political theatre can turn into the interesting performance of 'the Political' for our time.

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4<낫심>에 나타난 수행적 공연미학

저자 : 이지혜 ( Lee Jihye )

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 105-145 (41 pages)

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본 논문은 이란 출신의 연극창작자 낫심 술리만푸어(Nassim Soleimanpour)의 연극 < 낫심(Nassim) >(2018)에 나타나는 수행적 특징을 분석한 것이다. 낫심의 연극은 공연의 생생함을 적극적으로 활용하면서, 공연 참여자들간의 능동적 대화를 생산하는 것이 특징이다. 특히 본 논문이 분석하고 있는 <낫심>에서는 '사전 연습 없음과 매일 다른 배우의 출연(No rehearsal, different actor)'이라는 공연 조건에서 극작가의 현존을 통해 수행적 공연상황이 창출되고, 배우의 수행적 행위 가운데 공연의 수행적 특징이 실천적으로 나타난다. 이와 함께 공연의 또 다른 생산자로서 관객의 기능이 더해지면서 수행성의 공연미학이 실현되는 것이다. 이에 본 논문은 2000년대 이후 공연 연구 분야에서 중점적으로 논의되어온 수행성 공연미학을 바탕으로 <낫심>을 이해해보고자 한다. 특히 수행성의 공연미학의 토대라 할 수 있는 행위자와 신체적 공동 현존에 기대어 극작가, 배우, 관객으로 나누어 공연을 분석하고, 궁극적으로는 수행성의 미학이 어떻게 공연 분석에 적용될 수 있는지 살펴보고자 한다.


This study analyzes the performative features that show in Nassim, a performance by Nassim Soleimanpour, a playwright from Iran. Nassim's plays, which actively tap into the vividness of performance, characteristically produce active conversations among the performers and participants. Especially in Nassim, which is the subject of this study, the performative event is generated through the playwright's presence under the performing condition of 'no rehearsal and different actor' and the performative features are put into practice through the actors. Added to this, the function of audience as another producer of performance realizes the aesthetics of performative theatre. Therefore, this study tries to figure out Nassim through the aesthetics of performative theatre, which has been intensely discussed in the performance studies since the first decade of the new millennium. In particular, the study examines the possibilities of theatrical experience ultimately generated by analyzing the performativity among the playwright, actor, and audience while focusing on the performer and the physical co-presence that make the basis of the aesthetics of performative theatre.

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5재일코리안 극단 연구 -극단 아랑삶세를 중심으로

저자 : 이성곤

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 147-171 (25 pages)

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이 글은 현재 일본에서 활약하고 있는 재일코리안 극단들의 활동과 이를 통해 제기되는 아이덴티티 문제와 미학적 지향으로서의 디아스포라 공간과 타자성에 대해 고찰하는 것을 큰 목적으로 구상되었다. 현재일본에서 재일코리안의 아이덴티티를 가지고 20년 이상 꾸준히 활동하고 있는 극단은 약 다섯 개 정도다. 이들에 대한 극단사 성격의 연구가 필요하지만 이글에서는 재일코리안 극단사 연구의 시론으로 그 가운데 가장 역사가 오래된 극단 아랑삶세의 활동을 중심으로 살펴본다.
극단 아랑삶세(대표 김정호)는 도쿄에 거점을 두고 재일코리안들의 차별과 아이덴티티에 대한 고민, 취업과 사랑, 통일문제 등 다양한 문제의 식들을 바탕으로 꾸준히 연극으로 만들고 있다. 1988년 연극을 통해 우리말을 교포사회가 지키는 데 도움을 주고자 창단됐다. 1988년 6월 광주민주화운동을 모티프로 한 <빛고을 파랑새 전설-어둠 산의 고아들>을 창단 공연으로 하여 올해 32주년을 맞이했다. 2003년 전국연극제에 참가하며 한국에서도 공연을 가진 적이 있다. 2019년 6월에는 31주년 기념공연(30주년+1)으로 자이니치 투쟁의 역사를 다룬 <리플레이(재생)>(신주쿠스타필드)를 무대에 올렸다.
아랑삶세의 활동은 크게 3기로 나눌 수 있다. 1기(1988년~1991년)에는 분단과 재일코리안의 문제를 주로 다뤘으며, 2기(1994년~2001년)에는 재일코리안의 일상과 생활의 문제에, 그리고 3기(2002년~2020년)에는 재일코리안 사회와 일본 사회와의 관계에 초점을 맞추고 있다. 시대의 변화와 세대의 흐름에 따라 공연의 주제와 관심, 그리고 관객에 대한 고려가 달라져왔음을 알 수 있다. 5-6세대로 이어지고 있는 재일코리안의 다양한 현실을 이 극단들이 어떻게 연극미학적 방법으로 반영하고 수용해나 갈지 지속적인 관심과 연구가 필요하다.

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6'혐오'를 이야기하는 연극적 방식 - <레라미 프로젝트>를 중심으로

저자 : 전정옥

발행기관 : 한국연극학회 간행물 : 한국연극학 74권 0호 발행 연도 : 2020 페이지 : pp. 173-198 (26 pages)

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소수자에 대한 혐오, 혐오표현의 자기인식과 사회적 점검은 무엇보다 성소수자, 이주노동자 등의 문제에 대한 사회적 환기로부터 시작되었다. 한국 사회에서 '혐오' 또는 '혐오표현'이라는 말이 공론장에서 이슈화된 것은 2010년대 초반부터였다. 여성, 성소수자, 이주노동자 등, 소수자를 향한 부정적 이견이나 적대적 감정, 욕설 등이 인터넷 커뮤니티를 타고 조직적으로 등장하면서 한국 사회에서 혐오에 대한 사회적 성찰의 분위기가 만들어졌다. 정치 사회의 변화에 대해 그 어떤 장르보다 민감하게 반응하며 그것을 극장이라는 공간으로 수렴하여 공론화하는 연극의 태생적 특징을 살필 때, 최근 젊은연극단체들을 중심으로 소수자, 소수자성 더불어 그들에 대한 , 혐오와 혐오표현에 대한 문제를 무대로 차출해 연극적으로 접근하는 연극들의 등장에 주목할 필요가 있다. 이 글에서는 2019년 극단 실한이 제작한 모이세스 코프먼과 텍토닉 시어터 프로젝트작 <레라미 프로젝트> 공연 분석을 중심으로, 혐오를 이야기하는 최근의 연극적 방식에 대해 접근해 보도록 한다.

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